Interesarse por Meret Oppenheim significa estudiar una personalidad fascinante y una obra diversa, que hoy no ha perdido nada de su vitalidad y profundidad.
Todo lo que tiene un impacto en el arte contemporáneo, ya sean enfoques interdisciplinarios o transdisciplinarios, o variedad temática y la libertad de seleccionar una forma y materialidad individualmente adecuadas, así como el medio óptimo sin adherirse a ninguna forma de uniformidad estilística, tiene su camino pavimentado por la obra de Oppenheim.
De todos los surrealistas, ella tomó la llamada de Breton "para perseguir a la bestia loca de la función" más literalmente.
Sus esculturas reutilizan objetos domésticos destinados a cumplir una función y sugieren otra función, generalmente escandalosa, para la que podrían usarse. De esta forma, Oppenheim fue la única surrealista que tenía alguna autoridad sobre el psicoanálisis.
Nacida el 6 de octubre de 1913, en Berlín, Alemania en una familia de analistas suizos, Oppenheim se empapó de la teoría psicoanalítica y siguió las enseñanzas de Carl Gustav Jung. A lo largo de su vida, llevó un diario de sueños que sirvió como fuente para su creatividad.
El trabajo de Oppenheim con la industria de la moda ayudó a romper las barreras entre las bellas artes y la moda. La línea de guantes surrealistas que diseñó para la diseñadora de alta costura Elsa Schiaparelli (quien luego colaboró con Salvador Dalí) fue especialmente vanguardista y continúa siendo ampliamente imitada.
Aunque Oppenheim normalmente se alinea con el surrealismo, su atrevido uso de objetos encontrados es directamente dadaísta. Ella es una figura de transición clave, que une los dos movimientos.
En un momento en que el único papel aceptable para una mujer en el mundo del arte era el de amante o musa, Oppenheim lo logró como artista; rompió el techo de cristal del surrealismo y lo venció en su propio juego, aprovechando el poder de las fantasías sobre el dominio y la sumisión (temas predominantes en el arte surrealista) en un esfuerzo por destruirlos.
Oppenheim creció en Suiza en una familia intelectual progresista. Su abuela participó activamente en el movimiento por los derechos de la mujer suiza y su tía la animó a coleccionar grabados de Paul Klee, una importante influencia temprana en la joven artista. El padre de Oppenheim era psicoanalista. Por recomendación de él, ella registró sus sueños (que, según la teoría psicoanalítica, dan una idea del inconsciente) cuando era adolescente y continuó con esta práctica por el resto de su vida.
El 'papa' surrealista André Breton, uno de los primeros defensores de su obra, publicó más tarde algunos de estos primeros escritos en Le Cahier d'une Écolière, de 1957. Las imágenes de sus sueños inspiraron sus primeras pinturas en 1931.
Al final de su adolescencia, Oppenheim comenzaba a encontrar la vida en Suiza un poco limitada y consultó a su abuela sobre si asistir o no a la escuela de arte en París. Su abuela llevó a cabo una lectura de cartas del Tarot que predijo que la vida de Oppenheim estaría llena de luchas, pero en última instancia profundamente satisfactoria desde un punto de vista creativo. Oppenheim recordó más tarde que ese era el permiso que necesitaba para tomar la "decisión consciente de ser libre" y mudarse a París.
Oppenheim se matriculó en clases de arte en la Académie de la Grande Chaumière y ascendió rápidamente en los círculos surrealistas, entablando amistad con Picasso, Giacometti y Arp, artistas que le doblaban la edad. Expuso con ellos en el Salon des Surindépendants, y en 1933 expuso su primera escultura, el bronce La oreja de Giacometti (1933), un punto de inflexión en la carrera de Oppenheim y un gran avance para los surrealistas, que hasta el momento no habían permitido la participación de mujeres como artistas.
A su vez, se desempeñó como musa y modelo.
Entre los artistas para los que posó estaba Man Ray y su famosa Erotique Voilée (1933), de hecho, es esta obra lq ue presenta a Oppenheim completamente desnuda y cubierta de tinta en una serie de poses elegantes con una imprenta.
Cegados por su belleza, sus mentores la vieron como un hermoso cuerpo femenino destinado a ser admirado junto con otros objetos, con los años, Oppenheim peleó contra su posición de musa y modelo, de inspirar al artista en lugar de hacer el trabajo ella misma.
Al comienzo de su carrera, Oppenheim se describió a sí misma modestamente como una "creadora de imágenes". En dibujos, óleos, collages, maquetas y esculturas exploró los temas surrealistas habituales: la muerte, los sueños, la naturaleza y el sexo.
A fines de la década de 1930, comenzó a trabajar con la diseñadora de moda Elsa Schiaparelli, una emocionante colaboración que presentó ropa que abordaba temas de identidad y transformación personal.
Su papel como artista y musa trajo notoriedad con exposiciones en las capitales de Europa y en la ciudad de Nueva York. A la par, su fama creó inseguridad, y en 1937 terminó abruptamente una relación con Max Ernst, dejándolo en "un estado mental muy afectado" según sus cartas de amor, lo que evidentemente les causó un gran dolor a ambos. La razón que dio más tarde fue que se dio cuenta de que este enredo romántico terminaría con su carrera.
Posteriormente, volvió la depresión que había sufrido anteriormente. Consultó a Carl Jung pero no le diagnosticó neurosis. En 1937 regresó a Suiza, donde creó última pieza icónica de esta época, Mesa con patas de pájaro, de 1939.
Los años intermedios de Oppenheim fueron turbulentos. La baja autoestima y la depresión debilitante le impidieron trabajar durante un período de 18 meses en 1937. Volvió a la escuela de arte en Basilea y comenzó a superar la depresión y la inseguridad que sentía en un mundo del arte dominado por hombres haciendo arte sobre eso, lo que marcó un momento clave de transición.
Oppenheim no expuso durante este período, pero experimentó en privado con esculturas, pinturas e incluso moda atrevida: sombreros con forma de fauces de perros que gruñen, por ejemplo, y lencería cortada abierta fueron algunos de sus primeros y mejores esfuerzos, que también reflejan fuertemente el estado de ánimo de la artista en este momento de su carrera.
Su vida personal comenzó a mejorar en 1945, cuando conoció y se casó con el empresario Wolfgang La Roche. En 1954 su depresión desapareció por completo. Más tarde recordó el destello de intuición que le permitió recuperar el placer de hacer imágenes: finalmente entendió que "un cuerpo de trabajo creativo solo es posible con un sentido de confianza absolutamente estable". Estaba lista para resurgir públicamente.
Durante el resto de su vida, Oppenheim aplicó sus vibrantes ideas y habilidades técnicas a la pintura, el arte material, el collage, la escultura, el vestuario y el teatro
En 1956 diseñó el vestuario y la escenografía de la obra de teatro de Picasso Le Désir attrapé par la queue (El deseo atrapado por la cola). En 1959 realizó uno de los eventos más copiados del arte moderno, una actuación privada llamada Spring Banquet, donde los invitados se deleitaron con el cuerpo de una mujer desnuda en una celebración de la fertilidad y la naturaleza.
Breton la convenció para que la repitiera en la EROS (Exposition Internationale du Surréalisme) de París, como Cannibal Feast.
Oppenheim pensó mucho en cómo quería ser recordada. Conservó su correspondencia con vistas a su publicación (señalando, por ejemplo, en ciertos sobres de cartas de amor que sólo podrían publicarse después de que todas las personas involucradas hubieran muerto). También tenía la costumbre de destruir su propio trabajo.
En los años posteriores, Oppenheim estableció su postura dentro del feminismo, donde definió la principal tarea de la artista femenina, que era:
"Probar a través del estilo de vida de uno que ya no considera válidos los tabúes que se han utilizado para mantener a las mujeres en un estado de sometimiento durante miles de años. La libertad no se da, hay que tomarla."
Falleció el 15 de noviembre de 1985, en Basilea, Suiza, el lugar que consideró su casa, pero su legado es más que palpable.
Dado lo poco que se exhibió de su trabajo durante su vida y lo mucho que se perdió, el impacto de Oppenheim en las generaciones futuras es aún más notable. Sus diseños surrealistas irónicamente subversivos para Elsa Schiaparelli provocaron un sinfín de imitaciones y spin-offs, desde los zapatos comestibles de Tokio Kumagai hasta el vestido de carne de Lady Gaga. También inspiró numerosas obras de artistas feministas de las décadas de 1960 y 1970.
En muchos textos, el carisma y la importancia político-cultural de Oppenheim como figura pública eclipsan cualquier investigación sobre sus obras. En cuanto a los rasgos sobresalientes de su obra creativa, además de las ya mencionadas, destaca su diversidad de estilos, que muchos intérpretes relacionan con su personalidad inconformista.
Así también la exploración del cuerpo y el paisaje de Oppenheim en obras como Stone Woman, o el cuerpo y la comida en Naked Banquet impresionó a los artistas de Land Art, Earthworks y Performance, especialmente a Ana Mendieta, Carolee Schneemann, Yoko Ono y Marina Abramovic, artistas experimentales. que incorporaron su propio cuerpo a su obra.
