El surrealismo fue un movimiento en las artes visuales y la literatura, floreciente en Europa entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial que surgió principalmente del anterior movimiento dadaísta, que antes de la Primera Guerra Mundial produjo obras de antiarte que desafiaban deliberadamente a la razón; pero el énfasis del surrealismo no estaba en la negación sino en la expresión positiva.
El movimiento representó una reacción contra lo que sus miembros vieron como la destrucción provocada por el “racionalismo” que había guiado la cultura y la política europeas en el pasado y que había culminado en los horrores de la Primera Guerra Mundial.
Según el principal vocero del movimiento, el poeta y crítico André Breton, quien publicó El manifiesto surrealista en 1924, el surrealismo era un medio para reunir los reinos de experiencia consciente e inconsciente de manera tan completa que el mundo del sueño y la fantasía se uniría al mundo racional cotidiano en “una realidad absoluta, una surrealidad.”
Basándose en gran medida en las teorías adaptadas de Sigmund Freud, Breton vio el inconsciente como la fuente de la imaginación. Definió el genio en términos de accesibilidad a este reino normalmente sin explotar, que, según él, podría ser alcanzado por poetas y pintores por igual.
A pesar de que los orígenes del movimiento son en gran medida a la inspiración de las mujeres por los hombres, partidarios de la emancipación de la mujer, y los co-descubridores de los artistas, y escrito antes desconocido u olvidado, en los años veinte, sólo unas pocas mujeres fueron activas en el surrealismo, no obstante, su impacto fue brutal y claro, y eso es lo que te invitamos a conocer hoy.
Fuente: Picnic Media
Meret Oppenheim
Meret Oppenheim (1913-1985) fue una creadora que formó parte del movimiento surrealista y tuvo un papel de relieve en el mundo artístico del arte europeo del siglo XX.
Su obra, personal y libre, impactó no solo entre las vanguardias de los años treinta, sino muy significativamente en la escena artística del último tercio de siglo.
Ella fue una de aquellas mujeres artistas cuyo trabajo se valoraba en un contexto global de inferioridad femenina, por lo que tuvo que esperar quizás demasiado tiempo para alcanzar el reconocimiento internacional que merecía.
Con su arte traspasó los límites de los estereotipos de género, siendo ejemplo y estímulo para posteriores generaciones de artistas mujeres.
Dorothea Tanning
Dorothea Tanning (1910–2012) es considerada una de las mujeres artistas más importantes y polifacéticas del siglo XX, aunque ella misma rechazaba esa asociación.
“Mujeres artistas: no existe tal cosa –o persona. Es una contradicción en sus términos, al igual que ‘hombre artista’ o ‘elefante artista’. Puedes ser una mujer y puedes ser una artista; pero lo primero te viene dado y lo otro lo eres tú”.
Entre Estados Unidos y Francia, desarrolló una extensa producción, meticulosa y expresiva, de pinturas, dibujos, diseños de vestuario y decorados para ballets, esculturas “blandas”, novelas y poemas.
Su obra cuenta historias inscritas en un universo personal, con el que da sentido a la vida moderna, y en un entorno surreal –lleno de fantasía y fantasmas– perfilado a través de un espacio que se presenta al mismo tiempo como seductor y pernicioso.
Tanning rompe la distancia entre la obra de arte y el espectador, sin pretender que sus creaciones sean un reflejo del mundo, sino una invitación para ir más allá.
En su obra, los seres femeninos dominan este universo de puertas abiertas y revelaciones, provocando el caos en un espacio tradicional doméstico, que al mismo tiempo vibra y despierta una curiosidad extraña: ¿Nos atrevemos a entrar en su cuento de hadas, en una casa con puertas abiertas, una estancia habitada por extrañas criaturas, a adentrarnos en un paisaje quemado por el sol?
Leonor Fini
La iconoclasta Leonor Fini, nacida el 30 de agosto de 1907, en Buenos Aires, Argentina y fallecida el 18 de enero de 1996, en París, Francia, fue posiblemente la mujer artista más feroz y heroicamente independiente del siglo XX.
La propia Fini nunca aceptó la etiqueta de "mujer artista", como Tanning, y nunca se consideró surrealista.
Nunca sacrificó su independencia por André Breton, el líder del movimiento, y aborreció sus puntos de vista misóginos. No obstante, sus obras se han incluido en casi todas las principales exposiciones de surrealismo desde 1936 hasta la actualidad.
Fini nació en Argentina en 1907, pero muy joven, su madre la llevó a su tierra natal italiana de Trieste. Durante los primeros siete años de su vida, Fini se disfrazó de niño cada vez que salía de casa para frustrar los intentos de secuestro de su padre.
Criada por mujeres inteligentes y personalidades artísticas, no pasó mucho tiempo antes de que decidiera convertirse en artista. Cuando se mudó a París en 1931, ya era íntima de Giorgio de Chirico y su círculo. En París fue rápidamente 'adoptada' por Max Ernst y los surrealistas que lo rodeaban.
Fini se convirtió en una sensación no solo como artista sino también como personalidad. Vivió la vida como actriz en una obra de teatro, creando una personalidad de drama, misterio e intriga. La lista de personas que conoció, con las que colaboró o que fueron influenciadas por ella durante las siguientes décadas es en sí misma un notable inventario de los pensadores y artistas del siglo XX: Jean Cocteau, Man Ray, Leonora Carrington, Salvador Dalí, Joseph Cornell, Dora Maar, Anna Magnani, Albert Camus, Jean Genet, Federico Fellini, John Huston y Georges Bataille, por nombrar solo algunos.
Fini llegó a incorporar muchas líneas de investigación diferentes en su arte. Fue una artista autodidacta que creció a la sombra de la rica biblioteca de su tío, en la que descubrió a Aubrey Beardsley, Gustav Klimt y el universo de los prerrafaelistas. Estas lecturas, junto con sus visitas a los museos, forjaron su gusto por los espacios con referencias ensoñadoras que tan bien encajaron en la estética surrealista.
Mimi Parent
Nacido en 1924 en Montreal y fallecida en 2005 en Villars-sur-Olon, Suiza, Parent fue alumna de Alfred Pellan en la École des Beaux-Arts de Montreal, donde conoció a Jean Benoit y se casó con él cuando tenía veintitrés años.
La pareja se convirtió en el centro del surrealismo de posguerra.
Parent fue descrita por Breton, líder del movimiento surrealista, como una de las "fuerzas vitales" del surrealismo.
Sus obras poseen carácter simbólico. Son muy conocidas las pequeñas cajas que ella llamaba cuadros-objeto; se tratan de cajas de alrededor de 20 cm de profundidad que mostraban a veces descaradamente, a veces misteriosamente su contenido30 que generalmente consistía en objetos comunes utilizados de manera metafórica que mezclaba y colocaba sobre paisajes esculpidos en yeso, para presentar escenas dramáticas de la mitología, el folclore y su propia imaginación, creando mundos en la frontera entre el sueño y la pesadilla, con alusiones a temas como el deseo sexual, las políticas de género, la novela gótica, las heroínas mágicas o las posibilidades liberadoras de la noche.
Muchas de ellas representaban el momento del amanecer, cuando, según la mitología, los poderes lunares (femeninos) y solares (masculinos) se encuentran.
En las discusiones sobre arte, Parent siempre insistió en que en el Surrealismo no se trataba de ser un artista masculino o femenino, sino de tener una visión de un nuevo mundo audaz en el que ambos sexos fueran libres.
En sus composiciones, utilizaba elementos poco comunes como el cabello. Para dar volumen a escenas planas, se sirvió de todo tipo de técnicas desde el bordado hasta la incrustación y el collage.
Sus trabajos se publican regularmente en las revistas surrealistas Bief, La Brèche y L'Archibras
