La visión humanista y el arte de de Raquel Forner siguen siendo importantes porque fueron una nota crucial de optimismo durante el período incierto de la política de la Guerra Fría.
A través de su arte, Forner creó un modelo para confrontar conflictos, para conmemorar creencias, para traducir los mensajes de eventos externos en esperanzas personales.
Sus pinturas animan el tema del espacio, paradójicamente acercando el tema, haciéndolo más inmediato y creíble. A través de su obra podemos ver la forma en la que la artista reconocía la libertad; no se podía encontrar en imágenes de un pasado destruido, sino más bien en las representaciones de los sueños, mientras su imaginación saltaba más allá de la Tierra para encontrar una conexión significativa en el cosmos.
Fuente: Museo Genaro Perez
Aunque nació en Buenos Aires el 22 de abril de 1902, Raquel pasó la mayor parte de su infancia en España debido a la herencia española de su padre. Durante este tiempo, Forner se interesó por las artes y comenzó a entrenar en su ciudad natal.
De más adulta, mientras enseñaba brevemente en la Academia Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, expuso por toda la ciudad, con su primera exposición individual en 1928. Después de viajar de un lado a otro entre Europa y América del Sur en la década de 1930, comenzó a tomar prestadas ideas del surrealismo, como perspectivas y figuras distorsionadas; sin embargo, Forner no estaba interesada en interpretar sus sueños como artistas surrealistas; quería aplicar estas formas distorsionadas a situaciones del mundo real, como la Guerra Civil española de 1936 y los levantamientos sociales argentinos de 1955.
Este último evento influyó en su pintura Apocalipsis, donde creó formas abstractas de la tierra y movimientos superpuestos de figuras para resaltar la confusión y los aspectos negativos que crea el conflicto humano.
Para la artista, el tema de la exploración espacial fue una forma convincente de explorar los sentidos enfrentados de pérdida y esperanza que caracterizaron su larga vida. Primero vino la sensación de pérdida: Forner nació en Argentina pero viajó mucho, no solo a París para estudiar pintura, sino también a su patria ancestral de España, con la que desarrolló una conexión emocional y filosófica especialmente profunda. Cuando estalló la Guerra Civil Española en 1936, Forner vio lugares de sus recuerdos de infancia ahogados en violencia. La guerra y la subsiguiente guerra mundial que siguió varios años después, afectaron profundamente el tono de su trabajo creativo.
Las pinturas que brotaron de Forner en los años subsiguientes estaban apropiadamente sombreadas y melancólicas. Forner hizo uso de los estilos surrealistas popularizados en París en ese momento por artistas como Salvador Dalí, fusionando la física de la realidad para que coincida con la violencia destructiva que vio a su alrededor.
Pobló sus pinturas en esta época con figuras femeninas arquetípicas, de gran tamaño y posadas como símbolos de sufrimiento recurrente.
Algo cambió en 1957. Forner se interesó en los esfuerzos internacionales en el programa espacial y tomó nota de los programas exclusivamente masculinos con entrenamiento militar. Luego, el tema de los viajes espaciales comenzó a colarse lentamente en su trabajo: algo sobre su contenido temático la atrapó, y los paisajes oscuros y devastados por la guerra en su trabajo anterior comenzaron a retroceder.
Ahora, Forner pasaría a crear una mitología de libro de cuentos, de colores brillantes y llena de figuras abstractas. Con estas primeras pinturas, se convirtió en una de las primeras artistas en representar el espacio exterior en pinturas, y continuó creando imágenes del espacio casi exclusivamente hasta su muerte en 1988.
Forner retrata el espacio como un lugar donde los seres humanos pueden ir a reinventarse, un catalizador para transformar nuestra especie en algo más pacífico. Para que esto suceda, Forner vio la necesidad de una guía. Y así, en sus obras que representan el espacio, las figuras en escala de grises a menudo se encuentran con formas coloridas: las figuras incoloras representan humanos que recién comienzan su viaje lejos de la Tierra, mientras que el segundo grupo sigue siendo humano, pero del futuro lejano.
Estos humanos del futuro de Raquel transmiten color y conocimiento, impartiendo una especie de iluminación mística a sus primos terrestres que aún están madurando. Estas figuras son una evolución de sus representaciones arquetípicas de la guerra y sitúan su trabajo en el ámbito de la ciencia ficción.
Por otro lado, Forner pinta deliberadamente escenas en las que el espectador no pensaría que podría entrar directamente. Nunca ilustra piezas llamativas de tecnología futurista o paisajes alienígenas fuera del alcance de la familiaridad del espectador. Sus figuras solo se encuentran con otras versiones de sí mismas.
Sus pinceladas tumultuosas y formas cacofónicas evocan intencionalmente el potencial creativo del espacio, al tiempo que sugieren que ese mundo está a nuestro alcance. Ella propone que los desafíos en el espacio reflejen los desafíos aún aquí en la Tierra (conflicto y sufrimiento) y ambos son dignos de nuestra atención.
A pesar de su enfoque único del espacio y el estilo, Raquel sigue siendo una artista poco estudiada, particularmente en Estados Unidos, sin embargo, fue una fuerza creativa y política vital, exhibiendo ampliamente tanto en Argentina como en el extranjero.
