Las pinturas singulares de la artista británica Gillian Carnegie son explícitamente analíticas, sistemático pero oblicuo, en su revisión de los géneros de pintura tradicionales como la naturaleza muerta, el paisaje, los retratos y el desnudo, todos ellos "géneros sin tema", como a veces se les ha llamado.
Si bien Gillian es una artista de grandes logros, en el centro de su trabajo se encuentra el deseo de superar constantemente los límites de su propia habilidad.
Maneja la pintura con confianza y audacia, pero nunca quiere que una pintura le resulte demasiado fácil. Estas pinturas llevan consigo algo del aura del estudio y el drama intenso pero silencioso de su creación: la lucha física con la materia desordenada de la pintura, así como la lucha intelectual que la dirige.
A través de los años, Carnegie se ha distinguido de sus pares no solo por su habilidad, sino por el rigor con el que la maneja.
Carnegie, graduada de la Escuela de Arte de Camberwell y el Royal College of Art, trabaja dentro de las categorías tradicionales de pintura (bodegones, paisajes, figuras y retratos) con una técnica muy lograda. Sin embargo, mientras aparentemente sigue las convenciones de la pintura figurativa, desafía sus lenguajes establecidos y desestabiliza sus suposiciones.
Su trabajo se basa en la pintura al óleo para crear un relieve casi escultórico de empaste. Esta técnica es más efectiva en sus pinturas Black Square, donde las densas capas de óleos negros se unen para formar densos bosques.
El manejo de la pintura por parte de Carnegie tiene una cualidad táctil que es fantásticamente sensual y seductora, pero que fácilmente se convierte en una leve repulsión por el exceso pegajoso.
Con su arte, la artista lucha por dejar en claro que su impulso por resucitar estas categorías no es simplemente un ejercicio de formalismo, historicismo, reverencia académica, pastiche posmoderno o nostalgia. Y lejos de estar sin tema, lejos de no tener una historia que contar, las pinturas de Carnegie sugieren insistentemente que hay un tema, que hay una historia, pero que la pintura existe no para comunicarla sino para ocultarla, para mantenerla incomunicada.
En la pintura contemporánea, su trabajo se destaca, silencioso, tranquilo e insistentemente misterioso, con un tenor emocional que no se parece a nada en el arte actual.
Las pinturas de Carnegie son independientes; no requieren explicación y no se refieren a nada más que a lo que evocan. “Prefiero”, ha dicho, “considerar la pintura como una cosa en el mundo que la pintura como una imagen de las cosas en el mundo”.
Un paisaje marino, paisajes, una naturaleza muerta, un desnudo: estos son temas convencionales y, en cierto sentido, Carnegie se propone estos ejercicios técnicos para explorar el manejo de la pintura.
Pero esta es una forma árida e incompleta de describir obras que pueden ser provocativas, duras, malhumoradas y, a menudo, hermosas. Se describen mejor como desafíos al pintor, y más tarde, a nosotros, el espectador.
Los pasajes de fuerte empaste y las marcas deliberadas nos recuerdan continuamente la sustancia material de la pintura, y al hacerlo, nos impiden entrar en el tema o la escena de la pintura de una manera que se repite en las imágenes mismas.
Los temas de sus pinturas, por convencionales que parezcan al principio, son cruciales para otorgar a las obras una ubicación, un estado de ánimo y una atmósfera, al hacerlas más que autorreferenciales sobre la pintura.
Así que Carnegie explora un lugar entre el tema y el estilo, la representación y la abstracción, la descripción y la materia.
Después de más de un siglo de modernismo, las pinturas todavía se entienden comúnmente como imágenes de cosas, significantes de unos significados dados. De modo que obras encerradas en sí mismas como la de esta artista, en las que se ha perturbado la supuesta relación clara entre significante y significado, pueden inquietarnos.
