Conocida por sus coloridas composiciones a gran escala, Kerstin Brätsch usa pintura al óleo y una gama de otros materiales para explorar la naturaleza de la pintura en la era digital.
Desde sus pinturas emblemáticas, muchas de las cuales se asemejan a geodas o superficies de mármol, hasta sus instalaciones y actuaciones, el trabajo de Brätsch explora la colaboración, la circulación de imágenes y el papel del azar en la creación de imágenes.
Las pinturas de Kerstin exploran las formas en que el cuerpo puede expresarse psicológica, física y socialmente.
Se basa en una historia expansiva de la pintura que incluye mosaicos, vidrieras, papel marmoleado y estuco marmo y se extiende a través de modos de producción como pintura al óleo sobre Mylar, híbridos digitales, instalaciones multifacéticas y colaboraciones.
Fuente: New Art Editions
Brätsch utiliza psíquicos y médiums para cuestionar su propia creencia en la pintura, examinando las dimensiones místicas de las pinturas a través de sus infinitas lecturas potenciales.
Dentro de estructuras de soporte claramente visibles, como marcos de madera o acero, el artista moviliza tecnologías de materiales sofisticados para fines fascinantes.
Tomado como un todo, todo el entorno es una pintura diseccionada en sus partes constituyentes que trabajan con la luz, el material, la forma y las formas para empujar el límite de lo que una pintura puede ser en realidad.
Nacida en Hamburgo, Brätsch formó DAS INSTITUT tras graduarse, su primera gran colaboración artística, con su colega artista Adele Röder en 2007.
Desde entonces DAS INSTITUT emplea la agencia de importación/exportación tradicional como modelo. Así, crean diseños generados por computadora, desarrollando un lenguaje híbrido colaborativo. El proyecto arroja luz sobre cómo se producen y difunden las imágenes en el mundo digital, pero también expresa la naturaleza intuitiva y no lineal de las relaciones humanas. Cuando se le preguntó sobre el proyecto, la artista lo llamó “una hermosa amistad”.
Brätsch también ha trabajado con artistas, artesanos, psíquicos y chamanes, a menudo transmutando sus pinturas, en obras de vidrio o mármol, por ejemplo, mientras experimenta ubicando varios materiales y formas de arte en nuevos contextos.
Para su comisión del MoMA de 2019, trabajó con los pintores decorativos italianos Valter Cipriani y Carolina d'Ayala Valva para crear una serie de 35 relieves de pared usando la técnica italiana del siglo XVII stucco marmo. También colaboró con el maestro vidriero con sede en Zúrich Urs Rickenbach para producir una serie de obras que traducen pinceladas en objetos de vidrieras.
Para su sorpresa, y casi sin esperar el éxito, sus dibujos se volvieron extremadamente íntimos y significativos para ella y la audiencia, de esta manera desarrolló una relación con ellos como si fueran sus amigos más cercanos, sus mantras diarios.
La propia artista define su práctica como una migración en torno a la pintura, oscilando entre un análisis conceptual del medio y una devoción por los procesos pictóricos.
Se interesa por el poder de lo desconocido y por la posibilidad de interrogar el concepto de lo oculto dentro de la pintura. Hace esto mediante la creación de un tercer cuerpo a través de la colaboración, desarrollando múltiples cuerpos en constante desarrollo a través de una comunidad colectiva y utilizando técnicas artesanales tradicionales manipulando sus procesos con una conciencia de contemporaneidad.
Explicando su crecimiento profesional y personal tras la pandemia, ella misma menciona:
La pandemia me dio tiempo para reflexionar y tener espacio. Practiqué la soledad… Había pasado décadas trabajando con otras personas, colaboradores y artesanos, colegas y estudiantes para investigar la idea de pintar en el campo extendido y de repente me encontré encerrado en una pequeña celda frente a mí sin otro material de arte alrededor que papel y lápices de colores. Empecé a dibujar, lo que había dejado hace veinte años, casi aterrorizado de empezar y angustiado por una incertidumbre, inseguridad y vacío interior.
