El poeta contemporáneo Jorge Cuesta escribió un soneto dedicado a la persistente existencia de lo que se agota inmediatamente; habla de cómo la sensación de gozo por saciedad es extremadamente efímera, pero eterna en el sentido de que siempre aparecerá apenas se apague la sed, que revive eternamente.
Al gozo en que la fruta se convierte / sobrevive la sed que lo desea. / Es avidez, no más, lo que se crea / del estéril consumo de su suerte. Dice la primera estrofa, y eso, lo ha traducido al mundo del arte una mujer llamada Ann Hamilton.
La artista Ann Hamilton sabe sobre los desafíos de preservar obras de arte efímeras. Hamilton es quizás mejor conocida por sus instalaciones a gran escala y específicas del sitio. De gran alcance y ricas en detalles sensoriales, estas instalaciones a menudo incluyen elementos orgánicos o vivos, lo que las hace particularmente difíciles de conservar o incluso volver a montar.
Por ejemplo, el palimpsesto, que ahora forma parte de la colección del Jardín de Esculturas y el Museo Hirshhorn, incluye baldosas de cera de abeja, papel amarillo frágil, una cabeza de repollo y caracoles vivos.
The Event of a Thread, 2012-13. Ann Hamilton. Foto: Art21
El evento de un hilo, que se instaló en el Park Avenue Armory de Nueva York entre diciembre de 2012 y enero de 2013, incluyó cascadas de tela ondulante, columpios gigantes, una bandada de palomas y lecturas en vivo de textos preparados.
Para ella, la relación entre las piezas originales que crea y otras iteraciones que pueden surgir durante las instalaciones posteriores o los procesos de conservación, siempre cambian por el contexto.
“No es solo rehacer algo a partir de las partes. La forma original tenía que ver con un marco arquitectónico particular, pero también con un marco contextual. Así que esa es siempre una parte interesante de esto. Muy raramente recreo una instalación. A menudo las condiciones son muy específicas, aunque el vocabulario puede migrar o cambiar y viajar conmigo de alguna manera.
“En otras formas, cuando vas a restablecer una pieza, te das cuenta de que la luz venía del norte, y se alineaba con esta entrada allí, y caminaste por este camino. No te das cuenta hasta que cambias la pieza de cuánto todas las contingencias crean un contexto para el trabajo. Así que está esa parte, así como lo que sucede físicamente (a la pieza real). Como artista, tienes que entrar en un papel y repensarlo”, dijo en entrevista para National Endowment for the Arts.
Sin embargo, considera que su trabajo con los artista de enfoque conservacionista no ha cambiado la forma en que aborda su trabajo.
“Gran parte de mi trabajo se basa en última instancia en proyectos y contextos. Las piezas de algunas cosas se guardan. Todavía tengo todas las piezas del proyecto Armory. ¿Encontrará alguna vez otro hogar? Hemos tenido varias conversaciones, pero no sé. Luego, muy pronto, tal vez solo quieras hacer una nueva pieza debido a todo el esfuerzo que se necesita para repensar algo.
“No están hechos para entrar y salir como lo hace una producción teatral. Los presupuestos con los que trabajo son tales que no siempre podemos construir o fabricar cosas pensando en la longevidad. Entonces, la decisión cuando lo desmantelas es ¿deberíamos guardar esto? Porque si alguna vez se va a rehacer de nuevo, probablemente deba rehacerse”, dice.
Siempre ha pensado que las obras de arte cobran vida cuando se muestran, en lugar de cuando se almacenan en una bóveda o sótano. En cierto modo, eso casi parece dar incluso a las pinturas o esculturas la misma calidad iterativa de la que estamos hablando.
“Las obras históricas se animan cuando están expuestas. El acto de verlos es lo que los hace vivos en el tiempo, porque siempre los estás viendo desde el momento en que estás. Creo que ese es un gran dilema para las instituciones: qué número reducido de obras pueden mostrar de la colección.
“Eso se convierte en una pregunta para tantas personas que coleccionan, o artistas que donan, o quien sea. Ya sabes, ¿alguna vez verá esto la luz del día? La otra parte de eso es que cuando alguien se compromete a coleccionar tu trabajo, o llevarlo a una colección, se compromete a cuidarlo. Habiendo trabajado con Gwynne (Ryan, conservador jefe en Hirshhorn) y en otro proyecto con Madeleine Grynsztejn en SFMOMA, el peso del compromiso institucional de realmente cuidar una obra, me di cuenta de lo enorme que es. Cuanto cuidado se le da, y cuanto pensamiento. Como artista, no creo que siempre entiendas cuánto pide una obra. A veces es pedir mucho, y a veces vale mucho la pena”, resume.
El trabajo de Ann Hamilton es una muestra de cómo podemos siempre seguir deseando lo que nos satisface, aunque esto dure muy poco, pues “al gozo que la fruta se convierte, siempre, siempre sobrevivirá eternamente la sed que lo desea”.
