Ser pintor es un trabajo de tiempo completo.
Es una constante búsqueda de identidad y colores que puede extenderse a lo largo de toda una vida.
Pero admirar a otro pintor podría ser otra labor que consuma gran parte de tu vida.
Y es que, si es difícil encontrar la identidad que tanto distinguirá a uno del otro, encontrar a un colega que fascine, encante o inspire puede ser sumamente complicado.
¿Cuál es la cualidad que agrada?, ¿qué se puede aprender de esa técnica y aplicarla a la propia?, ¿cómo logra darle forma el pintor a su inspiración?, ¿qué hay detrás de esa inspiración? o ¿será que todas las personas pueden recibir ese aliento?
Todas estas son preguntas llegan con la admiración, especialmente si se es artista.
Con todos estos cuestionamientos a flor de piel, recordamos a algunas de las admiraciones más trascendentes del mundo del arte.
Edgar Degas a Jean-Auguste-Dominique Ingres y Eugène Delacroix
Degas tenía una admiración ilimitada por Ingres y Delacroix, por lo que consiguió que sus retratos mostraran un parentesco fundamental.
En ellos, hombres y mujeres por igual le dan al espectador una mirada inquisitiva o parecen absortos en sus pensamientos internos como si todos quisieran la respuesta a alguna pregunta inquietante.
Desde los retratos a juego de Jacques-Louis Leblanc y su mujer, realizados por Ingres en 1823, hasta el retrato de Abel Widmer pintado hacia 1824 por Delacroix, hay un hilo común entre los tres artistas que se remonta a la tradición europea: sondear el alma humana, sugerir emociones complejas.
En una variante de este tema, Degas también buscó estudios de pequeño formato que representaran una angustia contenida, algo que aprendió de los dos artistas que admiraba.
La misma búsqueda de estudios psicológicos impulsó a Degas cuando dirigió su atención a sus contemporáneos.
Los retratos que Degas pintó y conservó para sí mismo pertenecen a la misma tradición europea centenaria. Eso es cierto para sus dos autorretratos, incluido uno que puede haber sido influenciado por el autorretrato de Ingres.
Es aún más cierto en sus admirables retratos grupales "Monsieur y Madame Morbilli", pintados alrededor de 1865, que muestran a su hermana y su esposo, ambos sin sonreír, como tomados por sorpresa, en un momento de angustia y sorpresa, como lo hacían aquellos maestros a los cuales admiró.
Eugène Delacroix fue y seguirá siendo un maestro para los artistas del siglo XX, tanto que Henri Matisse y Pablo Picasso, al igual que Charles Camoin, Marc Chagall y Jean Bazaine, admiraron las obras del pintor romántico.
Su obediencia a su propio genio, su talento para aprovechar el momento, su brillantez con el color y su fuerte sentido de la narración lo designaron como uno de los más grandes creadores del arte francés, y una de las más grandes influencias para un artista como Edgar Degas, conocedor del alma humana, cuya obra destaca por su modernidad, basada en la aguda observación de las emociones y la magistral transcripción de Ingres y Delacroix.
Henri Matisse y Pablo Picasso
Ambos pintores dieron vida a una de las más grandes rivalidades del mundo del arte, pero también se admiraban profundamente.
Cuando Picasso y Matisse se conocieron en París en 1906, su mayor conexión era el amor mutuo por las pinturas del hombre al que reconocían como el "maestro": Paul Cezanne.
En el lienzo, sin embargo, no podrían haber estado más separados.
Matisse, el mayor y más establecido de los dos, produjo bodegones impresionantes y coloridos en admiración por Cézanne. Pero el joven Picasso, salvajemente experimental, que había llegado de España tres años antes, hizo todo lo contrario: fracturó sus formas al estilo de Cézanne en planos que rompen la visión, sin mucho color.
Todo lo reconocible fue deconstruido, y así fue el cubismo (un término acuñado tres años después), y Matisse estaba muy disgustado.
Cuando uno quiere explorar las conexiones duraderas entre los dos artistas, no como personalidades, sino como artistas, al final, las diferentes personalidades inevitablemente aparecen.
Matisse era una persona bastante tensa, había trabajado muy duro y estaba tomando un enfoque muy serio en la forma en que interpretaba el trabajo de Cezanne; mientras que Picasso tenía un enfoque diferente... haciendo las cosas increíblemente abstractas, y eso fue cuando Matisse tomó las cosas casi personalmente.
Algunos críticos creen que Matisse malinterpretó la intención de Picasso, pensando que de alguna manera le estaba haciendo un favor a Cezanne, sin embargo, admiraban el trabajo del otro, una admiración cambiante que fluía y refluía a lo largo de sus carreras paralelas, mezclada con celos, rivalidad y el inevitable choque de personalidades grandes y fuertes.
Matisse sintió que debía reconsiderar lo que había logrado su talentoso rival y cómo se podía aplicar el enfoque radical de Picasso a su propio trabajo, mientras Picasso reconoció el poder de Matisse como un colorista estelar, cuyas formas en capas eran ricas en texturas.
Al final de todo, siempre recopilaron el trabajo del otro. Sus intercambios tuvieron efectos significativos en el desarrollo del arte moderno, y eso solo se pudo lograr con una profunda admiración.
Lucian Freud a Camille Corot
Lucian Freud fue un pintor y grabador británico, considerado como uno de los artistas figurativos más importantes del arte contemporáneo. Fue nieto de Sigmund Freud, padre de la técnica del psicoanálisis y una de las figuras más relevantes y controvertidas de la psiquiatría, la psicología y la filosofía de los siglos XIX y XX.
Considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX, Lucian tuvo que luchar durante toda su vida con sectores de la crítica especializada para defender la modernidad de sus pinturas. En un mundo donde el arte mostraba un rostro cada vez más abstracto, cambiante y conceptual, Freud mantuvo siempre el máximo respeto a lo que él deseaba hacer.
Técnica, formación y talento, sumados a una admiración sin límites por el trabajo de los clásicos, se combinan en su trayectoria para dar lugar a pinturas deslumbrantes que nos sacan de nuestra zona de confort. Sus desnudos carnales y potentes, los retratos donde los rostros traslucen personalidades y los descarnados ambientes que reflejó en sus lienzos conforman un universo artístico coherente y magnífico.
La obra de Lucian despierta sensaciones contradictorias en quien la contempla: sensaciones que combinan la admiración por un talento fuera de serie, con un cuestionamiento constante de la realidad del ser humano.
No obstante, lo que quizá sería su más grande legado es su admiración por Camille Corot, un pintor francés, conocido sobre todo por sus paisajes realistas y románticos, una obra que anuncia el impresionismo, nacido en París el 16 de julio de 1796.
Ambos poseen una estructura muy cuidada y una gran sensibilidad para la luz natural.
Como parte de esta admiración, los dos importantes pintores trabajaron con una carnalidad excesiva, basada en la inconfundible pincelada que se convertiría en una de sus constantes y en una paleta de colores alejada de la realidad.
A la par, los dos comenzaron a crear los mejores retratos, interiores y desnudos, pero no fue hasta 1961 cuando ambos se volcaron a dibujar, aunque esta disciplina solo fue un “entretenimiento” menor para los artistas con pasión por el lienzo y los óleos.
Cabe mencionar que las dos personalidades intercambiaban arte.
Estando cerca de su muerte, el artista Lucian Freud estipuló en su testamento que una de las obras de su colección de arte, La mujer de la manga amarilla (1870) de Camille Corot, pasase tras su muerte a la National Gallery de Londres. Esta obra, adquirida en subasta en 2001, es un regalo con el que el artista deseaba agradecer a Inglaterra que le acogiera como lo hizo cuando llegó en 1933 huyendo de un nazismo cada vez más asentado en su país.
Freud conocía las colecciones del museo a la perfección y sabía que esta pieza concreta sería una incorporación importante ya que la National no tiene piezas tardías de Corot.
