El arte de Gran Bretaña, una fuerza que perdura

Gran Bretaña tiene una extensa historia del arte, que contribuye significativamente a la evolución del arte europeo y mundial. Algunos incluso argumentan que el arte moderno tiene su origen ahí.

Cualquiera que sea su opinión sobre el arte británico, no puede negar cuán influyente ha sido el arte británico en cada faceta del panorama artístico, ni puede negar el nivel de influencia que los artistas británicos han tenido en estas formas de arte.

A lo largo de la historia, se puede argumentar que el arte británico es característicamente distinto, y por lo tanto, difiere significativamente de otros artistas en géneros similares. Esta interpretación distinta es lo que hace que el arte británico y sus artistas sean renombrados.

Algunos de los primeros ejemplos del arte británico provienen de la suntuosa orfebrería del periodo anglosajón y de las iglesias, abadías y castillos de piedra pertenecientes al periodo medieval temprano.

Las primeras obras decorativas fueron raras, incluidos los famosos Evangelios de Lindisfarne (c. 690-750 d. C.) con su intrincado encaje estampado, también se encontraban en iglesias de toda la Inglaterra sajona. Si bien queda poco de sus interiores originales, edificios como la Catedral de Exeter (la Iglesia Catedral de San Pedro) siguen en pie hoy en día como ejemplos de la arquitectura gótica temprana.

El arte luego dio un giro para capturar las grandes características arquitectónicas de la Inglaterra medieval. De esta manera, las catedrales, las misericordias y los elementos astronómicos disfrutaron de una fuerte presencia.

De ahí, coincidiendo con el amanecer de la era de la "razón científica" -más conocida quizás como la era de la "Ilustración"-, la década de 1690 Londres se convirtió en la metrópolis más grande del mundo occidental, y viajeros de todo el país vinieron a vivir a la ciudad cuyos cambios fueron documentadas por el retratista y satírico William Hogarth.

Así, temas morales modernos" fueron innovadores, no solo en su tema franco, sino en el papel del artista mismo. De hecho, Hogarth fue el primer artista que se mantuvo a sí mismo económicamente (independientemente del patrocinio rico) y su papel sentó un precedente para muchos de los artistas que lo sucedieron. La filosofía de la Ilustración también se podía ver en las pinturas de caballos anatómicamente exactas de George Stubbs.

Mientras tanto, lejos de la capital, los temas de la Ilustración fueron explorados explícitamente por Joseph Wright of Derby, quien alineó su arte, aunque de manera bastante teatral, con los científicos, industriales e inventores de la Revolución Industrial. Wright se hizo conocido, de hecho, por sus escenas industriales y por su uso de la iluminación para lograr un efecto dramático.

Luego, el espíritu romántico se hizo bien establecido, y continuó infundiendo las artes visuales en la pintura, aunque también en la literatura y en el campo de la arquitectura, reconocido por su estilo muy pintoresco y su capacidad para combinar estilos pasados ​​y presentes.

Con el amanecer del romanticismo, muchos artistas comenzaron a cuestionar la autoridad centralizada de la Academia. De hecho, a fines del siglo XVIII, muchos artistas rechazaban la autoridad por completo.

Fue cuando los modernistas formaron una oposición al arte "académico" que descartaron como anticuado y moribundo. A este respecto, se podría argumentar que el romanticismo llevó las primeras semillas del arte moderno de los siglos XIX y XX.

Más adelante,  comenzaron a surgir las galerías, las manualidades, y los temas y estilos victorianos, que tenían una deuda con el Renacimiento italiano temprano y el Arte clásico. Ello dio pié al Fin de Siècle, un término francés utilizado para describir el simbolismo, el movimiento decadente y los estilos relacionados, sobre todo el Art Nouveau, que alcanzó su punto máximo de popularidad en la década de 1890.

Estos términos expresaban una sensación de temor apocalíptico a medida que el siglo llegaba a su fin con el inicio de la Primera Guerra Mundial. Los artistas de mentalidad expresaron la sensación del final de una fase de la civilización mientras la escritura de Oscar Wilde encabezó la carga de un nuevo sentido de moda del pesimismo.

Mientras tanto, la arquitectura y el diseño de Charles Rennie Mackintosh llevaron el Art Nouveau a los hogares y se le conoce como el padre de la arquitectura modernista británica. El Art Nouveau más tarde daría lugar a Art Deco, que se incorporó al diseño del icónico sistema subterráneo de Londres.

De ahí, el surrealismo, el arte de guerra, el pop art, fuertemente influenciado por Andy Warhol y Roy Lichtenstein, y el Op Art (una abreviatura de "arte óptico") tuvieron su impacto, dando entonces pie al arte contemporáneo de la Gran Bretaña, nuestro tema de exploración para este mes en Fº Magazine.

Pero, antes de entrar en detalles sobre quién entró en la lista, es esencial entender qué es el arte contemporáneo.

¿Qué es el arte contemporáneo?

Existe cierta controversia sobre los orígenes del término "arte contemporáneo".

En 1947 se funda el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres, donde en 1977 se funda el nuevo museo de arte contemporáneo de Nueva York.

No fue hasta la década de 1980 que la Tate proyectó un museo de arte contemporáneo al que definió como arte de los últimos 10 años de forma continua.

A principios de la década de 1970 se acuñó el término posmoderno, y es por eso que quizá muchos ven esto como el comienzo del arte contemporáneo en la región.

También surgiendo a finales de los años 80, un grupo de estudiantes del Goldsmith's College of Art de Londres comenzaron a exhibir juntos. Individuos como Damien Hirst, Sarah Lucas, Angus Fairhurst y Michael Landy formaron los cimientos de un movimiento suelto que pronto se conocería como The Young British Artists (YBA).

Se animó a los artistas involucrados (Michael Craig-Martin fue uno de sus tutores más carismáticos) a pensar de nuevas maneras sobre la creatividad y a abolir la separación tradicional de los medios en dominios discretos de pintura, escultura, grabado, fotografía, etc. De hecho, una de las características definitorias de los YBA fue que no hubo un enfoque unificado para su trabajo, aunque su arte generó controversia.

Al final, el arte contemporáneo puede describirse como el arte del momento.

Un cambio distintivo entre el arte moderno y el contemporáneo fue el alejamiento de la belleza estética de una obra de arte para centrarse en el concepto subyacente detrás de ella.

Para cualquier persona interesada en el arte, el arte contemporáneo será más identificable, porque habla del fenómeno cultural al que nos enfrentamos actualmente, según la interpretación de cada artista.

Mirando a los artistas de la escena contemporánea, podría decirse que el más famoso de los pintores británicos contemporáneos es el artista urbano satírico que usa el seudónimo de Banksy.

Banksy comenzó como artista de grafiti en Bristol a principios de la década de 1990 y su arte con plantillas, combinado con comentarios sociales y políticos, le ha valido el reconocimiento mundial. Con un talento para la autopublicidad que iguala incluso a los YBA; su Street Art aparece, generalmente sin previo aviso, en la esfera pública en los costados de los edificios y otras estructuras hechas por el hombre. 

Lo cierto es que no puedes perderte nuestro repaso a esta corriente, una que seguro te encantará con su visión tan global.