Oceanía tiene una historia del arte que es completamente única a cualquier otro lugar del mundo.
Con una profunda historia indígena y un fuerte pasado colonial, los habitantes del continente han tenido que aceptar su aislamiento del resto del mundo y adoptar una identidad propia, realizando una especie viaje de autodescubrimiento nacional que se refleja en la historia del arte de Australia y Nueva Zelanda.
La escena artística de Australia comenzó mucho antes de que los europeos llegaran a las costas del continente en 1788. Los pueblos indígenas de Australia habían estado pintando mucho antes de esta época. De hecho, la escena del arte indígena en este país data como la tradición de arte continua más antigua del mundo.
El arte rupestre aborigen se puede encontrar hoy en día en todo el continente, desde Uluru y Kakadu en el centro del desierto de Australia, hasta los Grampians e incluso cerca de Sydney. Este arte se remonta a por lo menos 30 mil años, superando las pinturas rupestres de Lascaux, Francia, por varios miles de años.
El arte aborigen incorpora círculos concéntricos, arcos y puntos para simbolizar aspectos importantes de la vida indígena. El arte fue originalmente pintado o grabado en roca, corteza, arena y piedra.
Hoy en día, el arte aborigen tiene una fuerte influencia en los artistas indígenas y no indígenas por igual. Los artistas conocidos que han utilizado elementos del arte indígena incluyen a William Barak, Margaret Preston, Albert Namatjira, Doris Gingingara y Susan Betts, una destacada artista indígena contemporánea que sigue las formas tradicionales de la pintura aborigen, y que sus diseños han sido utilizados por Qantas y Coca Cola, y para los Juegos Olímpicos de Sydney 2000.
Para entender la escena artística de Australia, es importante establecer una línea del tiempo que permita tener claridad sobre la evolución pictórica.
De 1788 a 1850, la mayoría de las obras de arte fueron sobre la flora y la fauna distintivas de Australia. Muchas de las pinturas eran tan extrañas que a menudo se las miraba con escepticismo.
John Lewin y John Glover fueron artistas durante este tiempo. La pintura Ornitorrinco de Lewin de 1808 es una de las pinturas más célebres del período colonial temprano. Mientras tanto, Glover fue uno de los primeros en capturar amplios paisajes australianos.
De 1850 a 1885, la fiebre del oro victoriana fue el catalizador del cambio en la escena artística de Australia. En esta época, las obras de arte estaban centradas en paisajes y comenzaron a ser encargadas por terratenientes y comerciantes adinerados.
El arte durante el período colonial tardío se trataba de explorar el paisaje; representaba cómo los colonialistas veían y se relacionaban con su entorno. Louis Buvelot fue una figura clave en la pintura de paisaje durante este tiempo que pintó vistas domesticadas y asentadas de la tierra que contrastaban significativamente con la extrañeza y el peligro representado en pinturas anteriores. Tan importante fue su trabajo que ha sido apodado el "Padre de la pintura de paisajes en Australia".
De 1885 a 1910, la Escuela de Heidelberg representa quizás el cambio de arte más significativo en Australia, cuando el arte australiano se hizo realidad. Lleva el nombre del campo de arte formado en las afueras de Melbourne a fines del siglo XIX por los artistas Tom Roberts, Arthur Streeton, Frederick McCubbin y Charles Conder.
En estos tiempos, los artistas buscaban la "verdad a la naturaleza", pintando al aire libre con pinceladas rápidas.
A principios del siglo XX, cuando estallaron las grandes guerras mundiales, las obras de arte australianas comenzaron a representar el miedo y la inseguridad que eran inherentes a la sociedad en ese momento.
Los artistas comenzaron a adoptar técnicas del expresionismo europeo, el surrealismo y el realismo social. Como resultado, los artistas comenzaron a recurrir a los mitos, leyendas y estilos de vida australianos para representar la identidad nacional cambiante.
Arthur Boyd, por ejemplo, se inspiró en la Biblia para crear mitos australianos que expresaban el horror de la guerra. El fotógrafo Max Dupain capturó algunas de las primeras fotografías más icónicas de Australia de lugareños en el ocio en las playas de Sydney. Y así se fueron dando los primeros artistas del arte contemporáneo.
La escena artística de Australia siguió floreciendo, y los artistas continuaron explorando el arte abstracto y la cultura popular, representando el paisaje australiano y su historia en un intento por profundizar en lo que significa ser australiano.
En tanto, Nueva Zelanda también tiene una historia de resiliencia y capacidad.
En el siglo XIX y principios del XX, la pintura de Nueva Zelanda estuvo dominada por un estilo inglés conservador.
El paisaje fue el género principal, y los primeros pintores eran en su mayoría "aficionados": maestros de escuela, amas de casa, ministros, políticos y topógrafos. Su objetivo principal no era producir obras de arte, sino registrar información sobre lugares.
Los estilos y fórmulas que emplearon tenían poco que ver con la realidad del entorno de Nueva Zelanda, y más con los modos europeos aceptados de ver el paisaje.
Hacia fines del siglo XIX, la llegada de varios pintores profesionales influyentes de Europa revitalizó la escena artística local. En las primeras décadas del nuevo siglo, muchos de los artistas más ambiciosos y talentosos de Nueva Zelanda viajaron a Europa para estudiar de primera mano los desarrollos modernos, como el cubismo y el fauvismo.
Algunos regresaron a casa, pero muchos no lo hicieron, sintiendo que el ambiente artístico aquí era demasiado conservador y poco solidario.
Durante las décadas de 1930 y 1940, la pintura de Nueva Zelanda desarrolló una identidad más distintiva, expresada en gran medida a través del estilo regionalista.
Después de la Segunda Guerra Mundial, aumentó la comprensión y el conocimiento del arte moderno internacional y hubo una mayor libertad de viaje mientras las revistas de arte y los libros estuvieron fácilmente disponibles. La reproducción del color mejoró y las exposiciones itinerantes expusieron a los artistas de Nueva Zelanda a un arte más vanguardista.
Las décadas de la posguerra también vieron el comienzo de un renacimiento del nacionalismo y la cultura maorí, que puede verse como una síntesis de las formas y prácticas artísticas maoríes y europeas.
Antes de que comenzara la colonización británica oficial en 1840, los artistas itinerantes viajaron a las costas de Nueva Zelanda y registraron sus impresiones en bocetos para llevar a casa.
Los artistas inspeccionaron el país, registraron sus características, encontraron tierras adecuadas para el asentamiento y alentaron la emigración. A menudo, estas obras se enviaban a Gran Bretaña como publicidad sobre Nueva Zelanda.
Si bien los artistas a menudo tenían intereses escénicos, también estaban influenciados por las prácticas y creencias históricas del arte.
El interés por los viajes, las diferentes culturas y las tierras exóticas atrajeron a otros artistas a Nueva Zelanda. A medida que Gran Bretaña se volvió más industrial y urbana, algunas personas adoptaron sentimientos de nostalgia por lugares que no habían sido tocados por los cambios económicos de la época.
La lejana Nueva Zelanda, y especialmente sus montañas, atrajeron un nuevo interés. Estos artistas viajeros o errantes registraron lo que vieron y, a menudo, publicaron libros de sus observaciones.
La mayoría de las pinturas producidas en Nueva Zelanda en el siglo XIX y principios del XX eran paisajes. La intención principal no era necesariamente crear obras de arte sino brindar información sobre los lugares representados.
Estas imágenes también ayudaron a que el nuevo mundo fuera más familiar y menos aterrador. Los artistas emplearon una variedad de enfoques estilísticos que fueron populares en Europa y especialmente en el arte paisajista británico.
Los artistas viajeros y colonos trajeron a Nueva Zelanda teorías y prácticas europeas y las superpusieron en el paisaje de Nueva Zelanda.
Hasta bien entrado el siglo XX, el arte realizado en el país apenas se diferenciaba del de Europa: solo difería el tema de las personas y el lugar.
Las pinturas estaban compuestas por elementos pertenecientes a cuatro categorías principales: topográfica, romántica o sublime, pintoresca e ideal.
