El surréalisme était un mouvement dans les arts visuels et la littérature, florissant dans Europe entre Première et Seconde Guerre mondiale qui découle principalement de ce qui précède mouvement dadaïste, qui, avant la Première Guerre mondiale, produisit des œuvres d'anti-art qui défiaient délibérément la raison ; mais l'accent du surréalisme n'était pas sur la négation mais sur l'expression positive.
Le mouvement représentait une réaction contre ce que ses membres considéraient comme la destruction provoquée par le "rationalisme" qui avait guidé la culture et la politique européennes dans le passé et culminé dans les horreurs du Première Guerre mondiale.
Selon le principal porte-parole du mouvement, le poète et critique André Breton, qui a publié Le manifeste surréaliste en 1924, le surréalisme était un moyen de rapprocher les domaines de l'expérience conscient et inconscient si complètement que le monde du rêve et de la fantaisie fusionnerait avec le monde rationnel quotidien dans « une réalité absolue, une surréalité ».
S'appuyant largement sur des théories adaptées de Sigmund Freud, Breton a vu le inconscient comme source d'imagination. Il a défini le génie en termes d'accessibilité à ce royaume normalement sans exploser, ce qui, selon lui, pouvait être réalisé aussi bien par les poètes que par les peintres.
Bien que les origines du mouvement soient largement dues à l'inspiration des femmes par les hommes, partisans de l'émancipation des femmes, et co-découvreurs d'artistes, et écrits avant méconnus ou oubliés, dans les années vingt, seules quelques femmes étaient actives dans le surréalisme, cependant , son impact a été brutal et clair, et c'est ce que nous vous invitons à découvrir aujourd'hui.
source: Pique-nique moyen
Méret Oppenheim
Méret Oppenheim (1913-1985) était un créateur qui faisait partie du mouvement surréaliste et a joué un rôle de premier plan dans le monde artistique de l'art européen du XXe siècle.
Son travail, personnel et libre, a eu un impact non seulement parmi les avant-gardes des années XNUMX, mais aussi de manière très significative sur la scène artistique du dernier tiers du siècle.
Elle faisait partie de ces femmes artistes dont le travail était valorisé dans un contexte mondial d'infériorité féminine, pour lequel elle a dû attendre peut-être trop longtemps pour obtenir la reconnaissance internationale qu'elle méritait.
Avec son art, elle a franchi les limites des stéréotypes de genre, étant un exemple et un encouragement pour les générations futures d'artistes féminines.
Dorothea Bronzage
Dorothea Bronzage (1910-2012) est considérée comme l'une des femmes artistes les plus importantes et les plus polyvalentes du XXe siècle, bien qu'elle-même ait rejeté cette association.
« Femmes artistes : il n'y a pas une telle chose – ou une telle personne. C'est une contradiction dans les termes, tout comme « l'homme artiste » ou « l'éléphant artiste ». Vous pouvez être une femme et vous pouvez être une artiste ; mais le premier t'est donné et l'autre c'est toi ».
Entre États-Unis et France, il développe une production extensive, méticuleuse et expressive de peintures, dessins, costumes et décors pour ballets, sculptures "douces", romans et poèmes.
Son travail raconte des histoires inscrites dans un univers personnel, avec lequel il donne un sens à la vie moderne, et dans un environnement surréaliste – plein de fantasmes et de fantômes – esquissé à travers un espace qui se présente comme séduisant et pernicieux à la fois.
Le bronzage rompt la distance entre l'œuvre d'art et le spectateur, sans prétendre que ses créations sont un reflet du monde, mais plutôt une invitation à aller au-delà.
Dans son travail, les êtres féminins dominent cet univers de portes ouvertes et de révélations, provoquant le chaos dans un espace domestique traditionnel, qui à la fois vibre et suscite une curiosité étrange : Osons-nous entrer dans son conte de fées, dans une maison aux portes ouvertes ? , une pièce habitée par d'étranges créatures, pour entrer dans un paysage brûlé par le soleil ?
Eleanor Fini
l'iconoclaste Léonor Fini, né le 30 août 1907 à Buenos Aires, Argentine et décédé le 18 janvier 1996 à Paris France, était sans doute l'artiste féminine la plus farouchement et héroïquement indépendante du XXe siècle.
Fini elle-même n'a jamais accepté l'étiquette de "femme artiste", comme Tanning, et ne s'est jamais considérée comme une surréaliste.
Il n'a jamais sacrifié son indépendance pour Andre Breton, le leader du mouvement, et abhorrait ses vues misogynes. Néanmoins, ses œuvres ont été incluses dans presque toutes les grandes expositions du surréalisme de 1936 à nos jours.
Fini est né en Argentine en 1907, mais très jeune, sa mère l'a emmenée dans sa patrie italienne de Trieste. Pendant les sept premières années de sa vie, Fini s'est déguisée en garçon chaque fois qu'elle quittait la maison pour contrecarrer les tentatives d'enlèvement de son père.
Élevée par des femmes intelligentes et des personnalités artistiques, elle ne tarde pas à décider de devenir artiste. quand il a déménagé à Paris en 1931, elle était déjà proche de Giorgio de Chirico et son entourage. Dans Paris a été rapidement "adopté" par Max Ernst et les surréalistes qui l'entouraient.
Fini est devenu une sensation non seulement en tant qu'artiste mais aussi en tant que personnalité. Elle a vécu sa vie d'actrice dans une pièce de théâtre, créant un personnage de drame, de mystère et d'intrigue. La liste des personnes qu'elle a rencontrées, avec lesquelles elle a collaboré ou qui a été influencée au cours des décennies suivantes est en elle-même un inventaire remarquable des penseurs et artistes du XXe siècle : Jean Cocteau, Man Ray, Leonora Carrington, Salvador Dalí, Joseph Cornell, Dora Maar, Anna Magnani, Albert Camus, Jean Genet, Federico Fellini, John Huston et Georges Bataille, pour en nommer quelques uns.
Fini a ensuite incorporé de nombreuses pistes de recherche différentes dans son art. C'était une artiste autodidacte qui a grandi à l'ombre de la riche bibliothèque de son oncle, où elle a découvert Aubrey Beardsley, Gustav Klimt et l'univers des Préraphaélites. Ces lectures, ainsi que ses visites dans les musées, ont forgé son goût pour les espaces aux références oniriques qui s'inscrivent si bien dans l'esthétique surréaliste.
Mimi Parent
Né en 1924 à Montréal et décédé en 2005 à Villars-sur-Olon, Suisse, Parent était élève de alfred pelan dans la Ecole des Beaux-Arts de Montréaloù il a rencontré Jean Benoît et l'épousa quand elle avait vingt-trois ans.
Le couple est devenu le centre du surréalisme d'après-guerre.
Parent a été décrit par Breton, leader du mouvement surréaliste, comme l'une des "forces vitales" du surréalisme.
Ses œuvres ont un caractère symbolique. Les petites boîtes qu'elle appelait tableaux-objets sont bien connues ; ce sont des boîtes d'environ 20 cm de profondeur qui montraient parfois de façon flagrante, parfois mystérieusement leur contenu30 qui consistait généralement en des objets usuels utilisés de manière métaphorique qu'il mélangeait et plaçait sur des paysages sculptés dans le plâtre, pour présenter des scènes dramatiques issues de la mythologie, du folklore et du sien. imagination, créant des mondes à la frontière entre rêve et cauchemar, avec des allusions à des thèmes tels que le désir sexuel, la politique de genre, le roman gothique, les héroïnes magiques ou les possibilités libératrices de la nuit.
Beaucoup d'entre eux représentaient le moment de l'aube, lorsque, selon la mythologie, les puissances lunaire (féminine) et solaire (masculine) se rencontrent.
Dans les discussions sur l'art, Parent a toujours insisté sur le fait que le surréalisme ne consistait pas à être un artiste masculin ou féminin, mais à avoir une vision d'un nouveau monde audacieux dans lequel les deux sexes étaient libres.
Dans ses compositions, il utilise des éléments insolites comme les cheveux.Pour donner du volume à des scènes plates, il utilise toutes sortes de techniques allant de la broderie à l'incrustation et au collage.
Ses oeuvres sont régulièrement publiées dans des revues surréalistes Bief, La Brèche et L'Archibras