El σκανδιναβικό σχέδιο και στυλ Μινιμαλιστική έχουν πολλά κοινά χαρακτηριστικά για την απλότητα και την κομψότητά τους. Ωστόσο, η προέλευση και η αποφασιστικότητά της επιστρέφουν σε διαφορετικούς χρόνους και περιστάσεις.
Ο όρος ελάχιστος πρωτοεμφανίστηκε το 1965 στο περιοδικό Περιοδικό Arts από κριτικούς και ειδικούς τέχνης Ρίτσαρντ Βόλχαϊμ στο άρθρο "Minimal Art".
Όπου ο συγγραφέας αντιμετώπισε τις ομοιότητες μεταξύ του μπαμπά και neoda, από τα οποία τόνισε ότι και οι δύο προσπάθησαν να ελαχιστοποιήσουν το τελικό καλλιτεχνικό περιεχόμενο του προϊόντος εξαλείφοντας κάθε είδους μορφολογική, αντιληπτική και σημαντική πολυπλοκότητα.
Το μινιμαλιστικό είχε τη μεγαλύτερη κορυφή του μεταξύ 1965 και 1968. Ωστόσο, ενσωματώθηκε ως τέτοια στην κοινή έκθεση των καλλιτεχνών Donald Judd, Robert Morris, Carl André, Dan Flavin και Sol LeWitt με τον τίτλο Πρωτεύουσες δομές, που διοργανώθηκε από την Εβραϊκό μουσείο από τη Νέα Υόρκη το 1966.
Χρόνια αργότερα, η αισθητική της ένταξης ορίστηκε από τον σύγχρονο αρχιτέκτονα mies van der rohe, στον οποίο αποδίδεται η φράση "Λιγότερο είναι περισσότερο".
Αυτή η περιγραφή αντικατοπτρίζει τη λαϊκή τάση μείωσης στο βασικό. Το ίδιο που κατέκτησε διάφορους τομείς της τέχνης, ιδίως το arquitectura, σχεδιασμός και εσωτερική διακόσμηση.
Αν και ο όρος μινιμαλιστικός εφαρμόζεται επίσης σε ομάδες ή άτομα που ασκούν τον ασκητισμό, ένα φιλοσοφικό δόγμα που, μεταξύ άλλων, επιδιώκει να μειώσει στο ελάχιστο τα φυσικά υπάρχοντα και τις κοινωνικές ανάγκες.
Στην τέχνη, ένα μεγάλο μέρος των μινιμαλιστικών έργων είναι κανονική πολυέδρα, απομονωμένη ή σε σειρά, με απλή ή βιομηχανική εμφάνιση, και φτιαγμένη με φωτεινά ή νηφάλια χρώματα, καθώς και με αδιαφανή ή διαφανή υλικά.
Ο πιο σημαντικός καλλιτέχνης αυτής της δημιουργικής φιλοσοφίας είναι ο ζωγράφος και ο γλύπτης Φρανκ Στέλλα, ο οποίος καθιέρωσε τις μινιμαλιστικές αρχές στο έργο Μαύροι πίνακες (1958-1960), μια σειρά από πίνακες με μαύρες γραμμές που χωρίζονται με λεπτά διαστήματα στον φυσικό καμβά.
Με αυτό, η Στέλλα ήθελε τα γεωμετρικά μοτίβα να παρακινήσουν τους θεατές να εκτιμήσουν την αξία της επίπεδης επιφάνειας αντί να βλέπουν τον πίνακα ως παράθυρο σε ένα άλλο σύμπαν.
Σκανδιναβικός σχεδιασμός
Από την πλευρά του, ο σκανδιναβικός ή ο σκανδιναβικός σχεδιασμός έχει ως βασική λειτουργικότητα σκοπό και τη χρήση του υλικά τοπικό και μη ευπαθές.
Η καταγωγή του βρίσκεται στις χώρες της Βόρειας Ευρώπης, ιδίως στη Νορβηγία και τη Σουηδία, αν και τα χαρακτηριστικά της βρίσκονται επίσης στη Δανία, την Ισλανδία και τη Φινλανδία.
Οι κύριες ιδιαιτερότητες του σκανδιναβικού σχεδιασμού, που εμφανίστηκαν στις αρχές του XNUMXού αιώνα, είναι η απλότητα και το σύγχρονο και καινοτόμο στυλ του.
Αυτά τα χαρακτηριστικά έχουν εφαρμοστεί κυρίως σε είδη οικιακής χρήσης, συμπεριλαμβανομένων των επίπλων, των υφασμάτων, των λαμπτήρων και των κεραμικών, αν και έχει χρησιμοποιηθεί επίσης στη βιομηχανική σχεδίαση στην κατασκευή τηλεφώνων και αυτοκινήτων.
Οι καλλιτέχνες που συνέβαλαν στην άνθηση αυτού του στυλ περιλαμβάνουν τους Alvar Aalto, Arne Jacobsen, Borge Mogensen, Hans J. Wegner, Verner Panton, Poul Henningsen και Maija Isola. Ποιος έκανε την κλήση "Χρυσή εποχή του σκανδιναβικού σχεδιασμού".
Η κομψότητα αυτής της καλλιτεχνικής τάσης εμφανίστηκε υπό την επίδραση των διακοσμητικών κινήσεων του Art Nouveau, Η Ο κονστρουκτιβισμός και Bauhaus.
Το αποκορύφωμα του σκανδιναβικού σχεδιασμού ήρθε στην έκθεση της Στοκχόλμης το 1930, μια έκθεση επίπλων και σχεδιασμού όπου πρωτοποριακά σχέδια που ενσωματώνουν πολιτικά και κοινωνικά μηνύματα λάμπουν.
Με αυτόν τον τρόπο συγκλίνουν οι ιδέες της νεωτερικότητας, της προσβασιμότητας και της τάσης για αποδοτικότητα.
Αυτό που είχε ως αποτέλεσμα τη δημιουργία άνετων και άνετων περιβαλλόντων και σχεδίων που κάλεσαν τους ανθρώπους να περάσουν ώρες στο σπίτι με τον καλύτερο τρόπο.
Ένα γεγονός που οδήγησε το σκανδιναβικό ή το σκανδιναβικό σχέδιο να είναι μια από τις πιο διακεκριμένες και διαχρονικές τάσεις μεταξύ σχεδιαστών και αρχιτεκτόνων σε όλο τον κόσμο.
